SKIES ist ein rauschender Fluss an Bildern und Klängen, ohne Anfang und ohne Ende. Die begehbare Videoinstallation nimmt die Besucher:innen mit auf eine Reise durch vertraute Umgebungen, die zu fernen Galaxien werden. Der 30-minütige Loop wird im Liegen betrachtet – inmitten einer Klangkomposition, die sich über sechzehn Kanäle zu einem dreidimensionalen akustischen Raum entfaltet.

Videoinstallation 30min, Loop
16-Kanal Audio
8 x 8 x 4m Konstruktion

Ein Projekt von Kollektiv Beton (Rebekka Friedli und Nathalie Kamber)

Editing: Aurora Vögeli
Musik: Rahel Zimmermann
Sounddesign: Gina Keller
Color Grading: Patrischa Freuler

Das Projekt wird unterstützt von:
Zürcher Filmstiftung / Migros Kulturprozent / Volkart Stiftung / Ernst Göhner Stiftung / Minerva Kunststiftung / Swiss Films

2023, Collage 128 x 67 cm

Lex Vögtli (*1972) ist Künstlerin. Sie lebt und arbeitet in Basel.

Vitor Oliveria is a Portuguese photographer that has a flair for analog photography. His natural excitement and creativity drew him closer to the art form of photography, immersing himself into connecting various motives and techniques, drawing into focus the social and cultural structures that affect the representation of the human form.

Inta: @vick_bw

Tobias Bamert und Anja Wüthrich haben sich die Frage gestellt, wie unsinnig der Wunsch ist, in einem Moment verweilen zu können.

Bewegung in Oberflächen ist für sie wegen ihrer Vergänglichkeit visuell interessant. Das Spiel mit Materialität inspiriert sie. Im digitalen Raum begegnen ihnen immer wieder fliessende Formen und Effekte, die bewegtes Material simulieren. Digitale Simulationen sind wiederholbar und können angehalten werden.
Das Künstlerduo hat das Bedürfnis, einen Moment in der Wirklichkeit in Stillstand zu versetzen, ihn räumlich sichtbar und greifbar zu machen, um darin verweilen zu können.

Ihre Freude an Räumlichkeit und plastischem Gestalten zeigt sich in ihrer Arbeit. Bei der Installation am Schaufenster überträgt sich die Bewegung auf die Betrachtenden. Sie können sich, während der räumlich materialisierte Moment stillsteht, um das Werk bewegen. Wirklicher Stillstand entsteht auch dadurch nicht. Die Bewegung macht jeden Moment erneut vergänglich - eine Auseinandersetzung, die sie im Prozess ständig begleitete.
Neben dem Schaufenster behandeln auch Bildschirmschoner, Postkarten und die Ladentheke des Kulturbüros dieses Thema.

Beide Kunstschaffende leben und arbeiten in der Stadt St.Gallen. Anja Wüthrich hat kürzlich das Propädeutikum für Erwachsene an der GBS abgeschlossen, Tobias Bamert ist Gestaltungslehrer in verschiedenen Altersstufen. Sie beide erschaffen neben der Arbeit als Lehrpersonen ihre eigene Kunst, beschäftigen sich mit digitalen Medien und sind handwerklich im Atelier und im Meter (Verein mit Werkstätten in St.Gallen) aktiv und kreativ.


Anja Wüthrich
anjawuethrich@icloud.com, @aen_wrks
Tobias Bamert
Website, @strato_012

Tobias Bamert und Anja Wüthrich haben sich die Frage gestellt, wie unsinnig der Wunsch ist, in einem Moment verweilen zu können.

Bewegung in Oberflächen ist für sie wegen ihrer Vergänglichkeit visuell interessant. Das Spiel mit Materialität inspiriert sie. Im digitalen Raum begegnen ihnen immer wieder fliessende Formen und Effekte, die bewegtes Material simulieren. Digitale Simulationen sind wiederholbar und können angehalten werden.
Das Künstlerduo hat das Bedürfnis, einen Moment in der Wirklichkeit in Stillstand zu versetzen, ihn räumlich sichtbar und greifbar zu machen, um darin verweilen zu können.

Ihre Freude an Räumlichkeit und plastischem Gestalten zeigt sich in ihrer Arbeit. Bei der Installation am Schaufenster überträgt sich die Bewegung auf die Betrachtenden. Sie können sich, während der räumlich materialisierte Moment stillsteht, um das Werk bewegen. Wirklicher Stillstand entsteht auch dadurch nicht. Die Bewegung macht jeden Moment erneut vergänglich - eine Auseinandersetzung, die sie im Prozess ständig begleitete.
Neben dem Schaufenster behandeln auch Bildschirmschoner, Postkarten und die Ladentheke des Kulturbüros dieses Thema.

Beide Kunstschaffende leben und arbeiten in der Stadt St.Gallen. Anja Wüthrich hat kürzlich das Propädeutikum für Erwachsene an der GBS abgeschlossen, Tobias Bamert ist Gestaltungslehrer in verschiedenen Altersstufen. Sie beide erschaffen neben der Arbeit als Lehrpersonen ihre eigene Kunst, beschäftigen sich mit digitalen Medien und sind handwerklich im Atelier und im Meter (Verein mit Werkstätten in St.Gallen) aktiv und kreativ.


Anja Wüthrich
anjawuethrich@icloud.com, @aen_wrks
Tobias Bamert
Website, @strato_012

Tobias Bamert und Anja Wüthrich haben sich die Frage gestellt, wie unsinnig der Wunsch ist, in einem Moment verweilen zu können.

Bewegung in Oberflächen ist für sie wegen ihrer Vergänglichkeit visuell interessant. Das Spiel mit Materialität inspiriert sie. Im digitalen Raum begegnen ihnen immer wieder fliessende Formen und Effekte, die bewegtes Material simulieren. Digitale Simulationen sind wiederholbar und können angehalten werden.
Das Künstlerduo hat das Bedürfnis, einen Moment in der Wirklichkeit in Stillstand zu versetzen, ihn räumlich sichtbar und greifbar zu machen, um darin verweilen zu können.

Ihre Freude an Räumlichkeit und plastischem Gestalten zeigt sich in ihrer Arbeit. Bei der Installation am Schaufenster überträgt sich die Bewegung auf die Betrachtenden. Sie können sich, während der räumlich materialisierte Moment stillsteht, um das Werk bewegen. Wirklicher Stillstand entsteht auch dadurch nicht. Die Bewegung macht jeden Moment erneut vergänglich - eine Auseinandersetzung, die sie im Prozess ständig begleitete.
Neben dem Schaufenster behandeln auch Bildschirmschoner, Postkarten und die Ladentheke des Kulturbüros dieses Thema.

Beide Kunstschaffende leben und arbeiten in der Stadt St.Gallen. Anja Wüthrich hat kürzlich das Propädeutikum für Erwachsene an der GBS abgeschlossen, Tobias Bamert ist Gestaltungslehrer in verschiedenen Altersstufen. Sie beide erschaffen neben der Arbeit als Lehrpersonen ihre eigene Kunst, beschäftigen sich mit digitalen Medien und sind handwerklich im Atelier und im Meter (Verein mit Werkstätten in St.Gallen) aktiv und kreativ.


Anja Wüthrich
anjawuethrich@icloud.com, @aen_wrks
Tobias Bamert
Website, @strato_012

Formé à la HEAD, dans la filière «Appropriation», Léo Chedel explore l’illustration et l’écriture à travers le collage, l’édition et la calligraphie. Nourri par les contre-cultures, le hip-hop, les ambiances nocturnes, la musique électronique, la P-Funk et les mythologies, il développe une pratique hybride, à la croisée du texte et de l’image.

Léo associe dessin, écriture, infographie, impression et transfert pour créer des fanzines expérimentaux (OneShot), des carnets faits main à partir de papier recyclé (StarDust), ainsi que des peintures au mètre réalisées à la bombe. Un projet d’art génératif, développé avec un ami informaticien, lui permet d’explorer la superposition texte-image via un algorithme conçu sur mesure (C.H.A.O.S.).

Entre instruments, supports et gestes, il cherche une forme de poésie visuelle, à la lisière de la synesthésie et de la paréidolie.

Formé à la HEAD, dans la filière «Appropriation», Léo Chedel explore l’illustration et l’écriture à travers le collage, l’édition et la calligraphie. Nourri par les contre-cultures, le hip-hop, les ambiances nocturnes, la musique électronique, la P-Funk et les mythologies, il développe une pratique hybride, à la croisée du texte et de l’image.

Léo associe dessin, écriture, infographie, impression et transfert pour créer des fanzines expérimentaux (OneShot), des carnets faits main à partir de papier recyclé (StarDust), ainsi que des peintures au mètre réalisées à la bombe. Un projet d’art génératif, développé avec un ami informaticien, lui permet d’explorer la superposition texte-image via un algorithme conçu sur mesure (C.H.A.O.S.).

Entre instruments, supports et gestes, il cherche une forme de poésie visuelle, à la lisière de la synesthésie et de la paréidolie.

Formé à la HEAD, dans la filière «Appropriation», Léo Chedel explore l’illustration et l’écriture à travers le collage, l’édition et la calligraphie. Nourri par les contre-cultures, le hip-hop, les ambiances nocturnes, la musique électronique, la P-Funk et les mythologies, il développe une pratique hybride, à la croisée du texte et de l’image.

Léo associe dessin, écriture, infographie, impression et transfert pour créer des fanzines expérimentaux (OneShot), des carnets faits main à partir de papier recyclé (StarDust), ainsi que des peintures au mètre réalisées à la bombe. Un projet d’art génératif, développé avec un ami informaticien, lui permet d’explorer la superposition texte-image via un algorithme conçu sur mesure (C.H.A.O.S.).

Entre instruments, supports et gestes, il cherche une forme de poésie visuelle, à la lisière de la synesthésie et de la paréidolie.

Abstractions from emotions, what we cannot explain with words but it could fill up the soul.

Hello I am Eva Maria Espejo aka Eva Mirror, a Visual Artist and Designer based since 2014 in Switzerland. I am born in Barcelona and then lived in several places as Madrid, Sevilla, Brighton, Buenos Aires, Torino and Berlin, first started to study Sociology interested in art, cultures and ethnology but soon I saw the desire of creation by means of investigation.

My paintings and Illustration are mostly animals and portraits, I listened once that my works are a mix between Pop, Surrealism, Naive Art, Psychedelic, Magic realism and Avant-garde. As Digital Artist I am working since 2010 and as Graphic Design I made experience in Editorial, Magazines and Illustration. I’ve taught Art for Primary and Secondary school as complementary activity using personal tools for the creative own knowledge and development as therapy or simply as way to start learning arts.

Abstractions from emotions, what we cannot explain with words but it could fill up the soul.

Hello I am Eva Maria Espejo aka Eva Mirror, a Visual Artist and Designer based since 2014 in Switzerland. I am born in Barcelona and then lived in several places as Madrid, Sevilla, Brighton, Buenos Aires, Torino and Berlin, first started to study Sociology interested in art, cultures and ethnology but soon I saw the desire of creation by means of investigation.

My paintings and Illustration are mostly animals and portraits, I listened once that my works are a mix between Pop, Surrealism, Naive Art, Psychedelic, Magic realism and Avant-garde. As Digital Artist I am working since 2010 and as Graphic Design I made experience in Editorial, Magazines and Illustration. I’ve taught Art for Primary and Secondary school as complementary activity using personal tools for the creative own knowledge and development as therapy or simply as way to start learning arts.

Abstractions from emotions, what we cannot explain with words but it could fill up the soul.

Hello I am Eva Maria Espejo aka Eva Mirror, a Visual Artist and Designer based since 2014 in Switzerland. I am born in Barcelona and then lived in several places as Madrid, Sevilla, Brighton, Buenos Aires, Torino and Berlin, first started to study Sociology interested in art, cultures and ethnology but soon I saw the desire of creation by means of investigation.

My paintings and Illustration are mostly animals and portraits, I listened once that my works are a mix between Pop, Surrealism, Naive Art, Psychedelic, Magic realism and Avant-garde. As Digital Artist I am working since 2010 and as Graphic Design I made experience in Editorial, Magazines and Illustration. I’ve taught Art for Primary and Secondary school as complementary activity using personal tools for the creative own knowledge and development as therapy or simply as way to start learning arts.

Abstractions from emotions, what we cannot explain with words but it could fill up the soul.

Hello I am Eva Maria Espejo aka Eva Mirror, a Visual Artist and Designer based since 2014 in Switzerland. I am born in Barcelona and then lived in several places as Madrid, Sevilla, Brighton, Buenos Aires, Torino and Berlin, first started to study Sociology interested in art, cultures and ethnology but soon I saw the desire of creation by means of investigation.

My paintings and Illustration are mostly animals and portraits, I listened once that my works are a mix between Pop, Surrealism, Naive Art, Psychedelic, Magic realism and Avant-garde. As Digital Artist I am working since 2010 and as Graphic Design I made experience in Editorial, Magazines and Illustration. I’ve taught Art for Primary and Secondary school as complementary activity using personal tools for the creative own knowledge and development as therapy or simply as way to start learning arts.

L’œuvre Dent Blanche de Sebastian Silva est une représentation vibrante et colorée de cette montagne emblématique des Alpes valaisannes, qui culmine à 4'358 mètres. Cette pyramide de gneiss presque parfaite se transforme ici en une interprétation à la fois exacte et subjective du territoire, où l’artiste fusionne rigueur géographique et liberté créative. En s’appuyant sur un système d’information géographique open source et des géodonnées publiques, Sebastian déconstruit et réinvente le paysage avec une palette éclatante, révélant la richesse topographique et émotionnelle de ce sommet majestueux.

In seiner Arbeit überträgt Kay Appenzeller die Farben des Himmels in eine ortsspezifische Komposition aus Fäden in verschiedenen Anordnungen. Ausgangspunkt ist ein grossformatiges Foto eines Himmelsausschnitts – eine Momentaufnahme des Tages, welche als Farbschema für das Werk dient: Auf einer Seite klar und differenziert angeordnete Fäden fliessen auf der gegenüberliegenden Seite ineinander und schaffen einen Übergang, der an die Dämmerung erinnert.

Die Installation entfaltet sich anschliessend durch weisse Fäden, die tagsüber unscheinbar wirken und nachts durch phosphoreszierendes Leuchten eine neue Präsenz erhalten. Die Beziehung der zwei Zustände erinnert an den Mond, der am Tag subtil zu erkennen ist und an dessen Schein in der Nacht, welcher nicht erlischt, sondern weiterlebt.

Nach der Ausstellung bleibt die Arbeit nicht nur im Gedächtnis, sondern verwandelt sich: Die farbigen Fäden schaffen eingerahmt eine Anlehnung an das ursprüngliche Himmelsfoto und die Weissen das minimalistische Pendant dazu. Das Arrangement erhält so ein Nachleben, das über die Ausstellung hinausgeht.


Kay Appenzeller, geboren 1989 in St. Gallen, ist Maschinenbauingenieur, Lichtplaner und Fotograf. Sein Interesse an der Wechselwirkung von Licht, Raum und Wahrnehmung prägt sowohl seine berufliche Tätigkeit als auch sein künstlerisches Schaffen.

In seiner Arbeit überträgt Kay Appenzeller die Farben des Himmels in eine ortsspezifische Komposition aus Fäden in verschiedenen Anordnungen. Ausgangspunkt ist ein grossformatiges Foto eines Himmelsausschnitts – eine Momentaufnahme des Tages, welche als Farbschema für das Werk dient: Auf einer Seite klar und differenziert angeordnete Fäden fliessen auf der gegenüberliegenden Seite ineinander und schaffen einen Übergang, der an die Dämmerung erinnert.

Die Installation entfaltet sich anschliessend durch weisse Fäden, die tagsüber unscheinbar wirken und nachts durch phosphoreszierendes Leuchten eine neue Präsenz erhalten. Die Beziehung der zwei Zustände erinnert an den Mond, der am Tag subtil zu erkennen ist und an dessen Schein in der Nacht, welcher nicht erlischt, sondern weiterlebt.

Nach der Ausstellung bleibt die Arbeit nicht nur im Gedächtnis, sondern verwandelt sich: Die farbigen Fäden schaffen eingerahmt eine Anlehnung an das ursprüngliche Himmelsfoto und die Weissen das minimalistische Pendant dazu. Das Arrangement erhält so ein Nachleben, das über die Ausstellung hinausgeht.


Kay Appenzeller, geboren 1989 in St. Gallen, ist Maschinenbauingenieur, Lichtplaner und Fotograf. Sein Interesse an der Wechselwirkung von Licht, Raum und Wahrnehmung prägt sowohl seine berufliche Tätigkeit als auch sein künstlerisches Schaffen.

In seiner Arbeit überträgt Kay Appenzeller die Farben des Himmels in eine ortsspezifische Komposition aus Fäden in verschiedenen Anordnungen. Ausgangspunkt ist ein grossformatiges Foto eines Himmelsausschnitts – eine Momentaufnahme des Tages, welche als Farbschema für das Werk dient: Auf einer Seite klar und differenziert angeordnete Fäden fliessen auf der gegenüberliegenden Seite ineinander und schaffen einen Übergang, der an die Dämmerung erinnert.

Die Installation entfaltet sich anschliessend durch weisse Fäden, die tagsüber unscheinbar wirken und nachts durch phosphoreszierendes Leuchten eine neue Präsenz erhalten. Die Beziehung der zwei Zustände erinnert an den Mond, der am Tag subtil zu erkennen ist und an dessen Schein in der Nacht, welcher nicht erlischt, sondern weiterlebt.

Nach der Ausstellung bleibt die Arbeit nicht nur im Gedächtnis, sondern verwandelt sich: Die farbigen Fäden schaffen eingerahmt eine Anlehnung an das ursprüngliche Himmelsfoto und die Weissen das minimalistische Pendant dazu. Das Arrangement erhält so ein Nachleben, das über die Ausstellung hinausgeht.


Kay Appenzeller, geboren 1989 in St. Gallen, ist Maschinenbauingenieur, Lichtplaner und Fotograf. Sein Interesse an der Wechselwirkung von Licht, Raum und Wahrnehmung prägt sowohl seine berufliche Tätigkeit als auch sein künstlerisches Schaffen.